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El muralismo latinoamericano
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» Por Del Vitto Cristian
Desde las manifestaciones precolombinas hasta nuestros días, el muralismo ha sido una forma fundamental de expresión artística en latinoameríca. El muralista Del Vitto Cristian nos invita a este recorrido por la historia del muralismo latinoamericano, sus artístas y sus obras.

En la América precolombina ,especialmente en las culturas Mayas, Aztecas , la cultura Moche, la Inca ( al sur)y a parte de las pinturas rupestres, hay claros testimonios de un muralismo que evolucionó al punto técnico del fresco y de otras técnicas cuyos métodos eran desconocidos en Europa.

Luego de la conquista española, estas técnicas se han olvidado y muchos murales que existían en templos y palacios se han destruido o solo quedan pequeños fragmentos o algunas crónicas que nos describen lo que fueron. A la llegada de España en América, las obras murales posteriores tuvieron un carácter didáctico religioso con algunas fusiones de imaginería autóctona.

Si buscáramos el punto geográfico donde se gestó el muralismo latinoamericano, ese punto se encuentra en México.

Luego de la independencia de México del dominio español y la construcción de la república, en la década de los 70 del siglo 19 , aparece la dictadura de Porfirio Díaz, época en que el muralismo no tuvo grandes cambios ni gran trascendencia, y que preservaba características similares a las realizadas en la edad media en Europa.

La revolución mexicana que luego rompió con el porfirismo, también rompió con la vieja manera de concebir al arte.

Los retratos, paisajes , bodegones, etc , típicos del arte de la aristocracia fueron desplazados por el mural que podía ser apreciado por todas las clases sociales, ya que estaban emplazados en edificios y construcciones públicas.

El muralismo aparece como resultado de la revolución mexicana, interesado este por el pasado prehispánico y colonial. Diez años después de la derrota del porfirismo, habiendo los revolucionarios asumido el poder, el muralismo resurge gracias al apoyo del ministro de educación José Vasconcelos (1920). Vasconcelos estaba convencido de que el muralismo era parte de la tradición prehispánica y colonial, y que debía ser la herramienta de arte social para dar a conocer ese pasado y proyectar el futuro de la democracia en ese país.

Es así que el ministro convoca a artistas como Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros ,etc( muchos de ellos que se encontraban en Europa) quienes pintaron decenas de murales. En las visitas a las ruinas precolombinas como por ejemplo el Templo de los jaguares en Chichén-Itzá, los muralistas toman conciencia de que América poseía su propio muralismo y técnicas, habiendo gran cantidad de pruebas acerca de que los muros de las ciudades anteriores a la conquista estaban cubiertos de murales.

Los muralistas muchas veces tuvieron que empezar a descubrir por si mismos las técnicas utilizadas realizando investigaciones que a veces terminaban en grandes errores técnicos de ejecución.

Cuando Vasconcelos deja de ser ministro, el nuevo gobierno que se consideraba también heredero de la revolución, sigue apoyando la realización de murales en todo el país.

Si bien la mayoría de los muralistas se consideraban pro comunistas, el gobierno que no tenía esta tendencia ideológica apoyaba a estos en un afán de justificación y búsqueda de legitimidad.

Lo que logro que el muralismo adquiriera esa dimensión que mas tarde contagiaría a toda América, fue la concepción del arte mural en un espacio publico, arte para todas las clases sociales, de carácter histórico, humanista y muchas veces contestatario.

Los muralistas, que se consideraban artistas al servicio del pueblo, pintaron inmensa cantidad de muros donde se representaban la historia de México donde pasado presente y futuro se conjugan y fusionan dando origen al México moderno y futurista.

El mural generaba conciencia política y cultural al pueblo.

El muralismo, el mas antiguo en la expresión del hombre, siempre buscó dialogar reteniendo pasajes históricos, relatando fábulas, reviviendo hechos y fantasías para cuestionar y confrontar los pensamientos y los sentidos.

Los maestros muralistas, estaban convencidos que la principal función del muralismo no era decorativa, sino comunicacional. Ellos, buscaban generar factores de comprensión y de cambio en la sociedad.

Cuando Obregón se estaba acercando a su cuarto año del período presidencial, los problemas políticos empezaron a salir a la superficie. Podría afirmarse que la mayoría de los murales, mantienen las promesas de la revolución inevitable y permanentemente en la conciencia del pueblo conservador.

En 1924, Vasconcelos dimite y, al desaparecer su protección, se retiran las comisiones y termina la primera fase del muralismo. La mayoría de los pintores se retiran o dispersan , algunos van a Guadalajara, donde Siqueiros ayudaría a Armando de la Cueva en un encargo de gobernador Zuno. Guadalajara continúa con el mecenazgo de los muralistas , y serán donde puedan verse las mayores obras de Orozco.

En la década del 40, el gobierno entendió que no era ya de utilidad y quito su apoyo a los muralistas ; este cambio de animosidad hacia la pintura mural es debido a que las instituciones que financiaban las realizaciones de los murales, tuvieron intereses distintos a los de los muralistas. Las instituciones prefirieron dejar los muros en blanco o realizar grandes cromos fotográficos sirviéndose del onanismo de algún artista que jugando con elementos plásticos, creaba un mural inexpresivo. Los muralistas latinoamericanos afrontaron y afrontan hoy día el dilema de ser fieles a su vocación e ideología o sucumbir a las presiones del sistema.

Esto trajo un adormecimiento del muralismo en México y muchos artistas se vieron obligados a trabajar en el exterior.

El auge de la pintura muralista contagió a los demás países de Latinoamérica y adquirió características propias de cada país en el que se desarrollaba. La visita de los grandes maestros mexicanos del muralismo a distintos países de Latinoamérica y el contacto de estos con artistas de países vecinos llevó la semilla del muralismo que se difundió por toda América, llegando inclusive a Estados Unidos.

Fue así que en cada país de América surgieron maestros seguidores de la escuela muralista mexicana que siguieron los pasos del muralismo con algunas discrepancias ideológicas.

Poco a poco al quitar el apoyo económico a los muralistas la disciplina dejo de tener el auge de aquel tiempo.

También es cierto, que existen en nuestros días artistas que están unidos con el fin de resurgir la pintura mural.

Las razones con las cuales algunos justifican este resurgimiento parte a partir de la perdida de la identidad de los pueblos a causa de la globalización. Los muralistas entienden que los problemas de las naciones giran alrededor de la invasión de las culturas dominantes y del exacerbado individualismo que llevó al artista a perder el compromiso con el pueblo y a dedicarse a hacer arte para el mercado o para pequeños grupos de entendidos.

Un arte público y social como el muralismo rescata los valores nacionales crea conciencia de grupo y proyecta un compromiso de nación para construir entre todos.

Esto se comprueba con el surgimiento de grupos muralistas donde no existe un líder determinado sino que las obras son realizadas colectivamente y a veces interviniendo el mismo espectador que aporta datos históricos e ideas.

Una ideología mas actual lo demuestra el arte mural Nicaragüense , existiendo una fundación del muralismo Nicaragüense, de carácter interdisciplinario, profesional con un pensamiento humanista, una tendencia versátil, sin compromisos políticos ni de crítica confrontativa ; que busca una mayor libertad de creación y que expresa la pluralidad, complejidad y dinamismo de las artes gigantes; donde el espectador interpreta la obra de acuerdo a su universo conceptual y sugestivo temporal.

ALGUNOS MURALISTAS SURGIDOS EN OTROS PAISES DE AMERICA.

Existen gran cantidad de muralistas de renombre en América que surgieron de la influencia mexicana, muchos quedarán afuera de este informe no por considerar su obra menor sino por evitar ser demasiado extenso.

NICARAGUA

FEDERICO MATUS VEGA

Nació en Jinotepe el 19 de diciembre de 1964.

Sus inicios artísticos datan de 1982 con su ingreso a la escuela de arte Rodrigo Peñalba.

Se integró a la brigada muralista Rodrigo Peñalba –de poca duración- conformada por los italianos Sergio Michellini , Governatori y Spliandiani quienes produjeron unas tres obras murales, la principal en la Iglesia Santa María de los ángeles, en el barrio Riguero . Como productos de sus experiencias la Empresa Química Borden lo contratan para que realice un mural , al que posteriormente el llamó “Las Nicaraguanas” de 108 metros cuadrados, pintado en el antiguo edificio Zacarías Guerra.

En 1995 gana un concurso mundial holandés, donde la ONG de cooperación holandesa, seleccionó al arquitecto entre una treintena de países representantes, saliendo el artista nicaragüense ganador único de la convocatoria para pintar un mural en el edificio central de La Haya. La obra que pintó fue titulada “La Pluralidad cultural del mundo”. Este mural representa los diversos pensamientos, costumbres y razas que definen la naturaleza humana.

En 1999 pinta en Nicaragua “Niños Nicaragüenses”,obra que representa a la niñez desvalida, la cual esta ubicada en la Casa Refugio Alianza. A inicios de este mismo año viaja a Ascoli/Piceno, Italia, y produce un mural llamado “Era civilizadora del Hombre”.Pero el mural mas grande que pintó , es el titulado “550 Años del Descubrimiento de América” de 196 metros cuadrados.

ARGENTINA

El mural mas antiguo que conocemos en Buenos Aires está en la Iglesia del Pilar. Fue ejecutado al fresco y está fechado en 1735. Tal tipo de decoración, fue poco común en el Río de la Plata durante el siglo XVIII y si lo hubo en mayor cantidad. Recién en 1857 cuando se construye el Teatro Colón, obra de envergadura para su momento, que tuvo pinturas en el techo de la sala y en la boca de la escena, realizadas por los italianos Cheronetti y Verazzi.

También en edificios destinados a otros fines aparece la pintura mural- procedimientos de decoración mural distintos de la pintura solo llegarán a usarse a comienzos del siglo XX.

En viviendas de la época son mas frecuentes ; aún podemos encontrarlas, deterioradas por las infaltables manchas de humedad, dando testimonio de pasadas grandezas.

En 1880 se consideraba importante la colaboración de arquitecto, pintor y decorador.

Al comenzar el siglo les llegó el turno de renovarse a las iglesias de Buenos Aires, de las cuales la mas importante es la Catedral y la que mejor ilustra lo que exigía la pintura mural, allí se encuentran las obras de Francisco Pablo Parissi que utilizo la técnica del encausto que consiste en desleír colores en cera fundida.

Por esa misma época se produce una renovación en la arquitectura por obra del ART NOUVEAU.

Formando tonos homogéneos y profusamente decorados, las fachadas se ondulan y pierden la clásica visualización horizontal de pisos superpuestos, lo cual se puede observar en la casa de Paraguay 1330 ciudad de Buenos Aires, obra del año 1911 del arquitecto Trivelloni .En la calle Rivadavia 3220 de la ciudad de Buenos Aires, existe una obra mural del arquitecto Virginio Colombo. Dos escenas de Salomé y Orfeo realizadas en vidrios pintados al dorso y adheridos como mosaico a la pared; su composición es horizontal, cosa muy adecuada por ser el espacio alto y estrecho.

Con la extinción del Art Nouveau hacia 1915, se harán murales como el de la Galería Guemes, obra del arquitecto Gianotti, con relieves en bronce adheridos a la pared, pero luego los murales se limitarán otra vez a composiciones pintadas y el interés por ellos irá disminuyendo hasta su revaloración en la década del Cuarenta.

En 1919 se ejecutan las pinturas en el cielorraso del cine-teatro Gran Splendid, obra de Orlandi.

Un detalle singular es la figura que lleva en sus brazos una máquina proyectora, de la que caen desenrollados metros de película cinematográfica que flotan en el aire: notable unión de teatro con casas de departamentos, de alegoría a la manera antigua con una expresión de técnica moderna.

En 1930 el Hotel Plaza cambió la decoración de sus salones , llamando para la del gran comedor, a Jorge Soto Acebal (n. 1891), quién ejecutó un primer boceto en colores sobre motivos folklóricos. En esta obra se percibe, un tratamiento decorativo diferente, acorde con esa arquitectura de volúmenes netos y paredes lisas que aparecen en la década del 30.

Fue con la visita a este país del maestro mexicano David Alfaro Siqueiros en 1933 que artistas cautivados por las ideas y obras de este artista se aferraron al muralismo realizando obras excepcionales y de características diferentes, inclusive a las mexicanas.

Siqueiros realizó un mural en la casa de Natalio Botana en Don Torcuato, en el que colaboró Juan Carlos Castagnino (n. 1908), uno de los muralistas mas fecundos; pero no fue esa obra sino la presencia del pintor mejicano lo que aglutinó a los artistas de vanguardia e impulsó ciertamente el arte mural.

En 1938 se realizaron los grandes paños de mayólica( 1,80 x 18m.) que adornan las estaciones del tren subterráneo Florida-Palermo, en los que aparece la intención didáctica unida a la artística. Los autores elegidos fueron Rodolfo Franco, Alfredo Guido y Guillermo Butler. En 1946 fueron construidas en Buenos Aires las galerías Pacífico, su importancia radica en que se llamó a cinco pintores de renombre para decorarlas, y en que esos trabajos crearon en el público un nuevo interés por el genero mural. La cúpula central fue pintada por Berni, Spilimbergo, Castagnino y Urruchúa, mientras que Colmeiro trabajó en un sector menor de la cúpula y en el tímpano de la entrada. El ejemplo de las Galerías Pacífico, fue seguido en las Galerías Santa Fe, donde trabajaron Soldi, Batle Planas, Seoane, Gertrudis Chale, Presas y Torres Agüero. De ellos el de Seoane, con sus motivos simples y alegres y sus colores planos, es el que mejor se adapta al sector asignado. De aquí en adelante la enumeración de murales asignados crecería enormemente.

Una obra de Castagnino en la calle Rivadavia 4975, sobre un cielorraso inclinado, y es una composición de denominantes horizontales que el autor llama “Hombre, espacio, esperanza.

Finalmente señalamos que el género se presta como pocos al arte popular. Basta para comprobarlo pasear por el barrio de la Boca o visitar alguna escuelita de las afueras; allí seguramente no faltará una alegoría con la rubicunda República o las rotas cadenas de 1816.

ESPARTACO ,fue un grupo de artistas y trabajadores que surgió en 1959 y se disolvió en 1968, fue el grupo de mayor relevancia en el muralismo Argentino.

La posterior caída del impulso muralista se debe entre otras cosas a la falta de apoyo del estado, al no haber ninguna intención de poner al arte al servicio de las masas.

Aquí algunos muralistas argentinos:

RICARDO CARPANI:

Nacido el 11 de febrero de 1930, en su adolescencia se interesa por la corriente trotskista del marxismo .

En 1951 viaja a París donde empieza a sentir su vocación por el arte, ganándose la vida como modelo.

En 1955 se convierte en uno de los fundadores de la corriente de la izquierda nacional.

En 1959 junto con los artistas Mario Mollari, Juan Manuel Sánchez, Pascual Di Bianco y otros se funda el reconocido grupo muralista llamado ESPARTACO.

En 1961 por discrepancias ideológicas se separa del grupo y comienza a pintar murales para los sindicatos, donde se reflejan las problemáticas del obrero.

Su primera etapa muestra una imagen sólida de características pétreas, fiel reflejo de su ideología fuertemente arraigada.

Los obreros de sus murales poseían características de un expresionismo exacerbado.

Siempre sus temas buscaron diferenciarse de aquellos que tenían la mirada puesta en Europa o Estados Unidos.

Sus murales relataban mas que una historia la realidad que golpeaba, la miseria del obrero, la desocupación, los marginados.

Fue el primer artista que tuvo la posibilidad de empapelar con su obra toda la república Argentina, en panfletos del movimiento obrero, que, hasta ese momento había utilizado un diseño de imagen mas grafica y no tan artística.

En fin su obra mural buscaba denunciar las miserias y luchas del obrero.

ELENA DIZ y JUAN MANUEL SáNCHEZ

Matrimonio de muralistas .Pertenecieron al grupo ESPARTACO. Concebían al mural como síntesis ,forma y síntesis. El mural debía ser para la gente que camina, que anda por la ciudad y que se sintiera reconfortada ante una obra de arte. Debía constar de pocos elementos: una anécdota simple y una lectura clara.

ITALO GRASSI

Estudió muralismo con Urruchúa y Castagnino. Fundador del Movimiento Nacional de Muralistas y actualmente coordinador del mismo, ha realizado gran cantidad de murales en encuentros, concursos y en forma particular entre los que se destacan “Canto a Catamarca”,en la secretaría de cultura de esa provincia; “Orígenes de Mar del Plata”, gran mural en la avenida Independencia de esa ciudad; “Canto al Barrio”, en el club Racing y otros.

En su obra se observa que el contorno del dibujo y el tratamiento de espacio producen siempre una sensación de amplitud. El recorte característico de la técnica muralista construye una sucesión de primeros planos, prefiriendo a la perspectiva clásica una jerarquización del modelo elegido. Su planteo es realista pero lo reconocible apunta al símbolo y lo épico.

MÉXICO

DIEGO RIVERA

Su primer mural pintado fue “Creación”, que comenzó ya a finales de 1921 en el auditorio de la ENP.

En el esquema de Rivera aparecen juntas figuras de mexicanos vestidas con sus trajes populares y figuras que representaban las artes y las virtudes civiles y teológicas( justicia, esperanza, fe ,etc), todo ello coronado con la leyenda “ La luz primera o principal energía”. Lo que concentraba la atención de sus murales era la mezcla vigorosa de volúmenes y simplificaciones cubistas con préstamos del Quattrocento y el Renacimiento italianos, sobre todo del Giotto y de Miguel Ángel. Los murales de Rivera para Vasconcelos en su recientemente restaurado Ministerio de Educación, comenzaron en marzo de 1923 en medio de una gran publicidad.

Realizó el paisaje mexicano que había acordado hacer en la escalinata , pero en el primer patio, en lugar de figuras alegóricas pedidas por Vasconcelos, empezó a pintar la vida diaria del obrero mexicano, desde la del tejedor indio, el alfarero o el trabajador de campo al fundidor, el obrero de la mina o el de la refinería de azúcar y, sobre las puertas, poemas náhuatl y símbolos de la revolución. En el patio de fiestas hay tres paneles dedicados al tema de la redistribución de la tierra, que comprenden los ritos privados y fiestas callejeras del Día de los Muertos, y ritos precolombinos que sobrevivieron, como la Danza del Ciervo y la Cosecha del Maíz.

En estos dos patios ya aparece el marcado contraste entre la admiración de Rivera por el mundo industrial moderno, que hallaría su espectacular expresión literal en los frescos de la Detroit Industry, de 1932-33, y su poderosa critica social de la explotación de los trabajadores. La forma en que Rivera pasa de la representación de la vida diaria por medio de un realismo simplificado a la alegoría y el símbolo, es en parte posible debido a la disposición de paneles; mas adelante debía de absorber estos últimos elementos en diseños formales complejos de gran precisión, como en “Hombre en la Encrucijada”.

Cuando Vasconcelos dimite en 1924, Rivera, en medio de su trabajo en el Ministerio, le ganó la mano al nuevo ministro y durante algún tiempo, fue dueño del terreno en toda la ciudad.

En 1926-27, pintó la capilla y parte del edificio de la administración de la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo. La inmensa alegoría de la tierra creadora (La tierra liberada con las fuerzas naturales controladas por el hombre) sobre el altar mayor de la capilla, flanqueada por escenas relativas a la revolución, incluida la escena de los cuerpos enterrados de Zapata y Montaño : “La sangre de los mártires revolucionarios fertilizando la tierra “, como en contradicción triunfante del voto de la reacción, durante la lucha, de “exterminar la semilla de Zapata para que no vuelva a germinar”.

En 1927 Rivera termina los murales del piso superior del Ministerio de Educación; recientemente vuelto de Moscú introduce la iconografía revolucionaria rusa: la estrella roja, la hoz y el martillo, e imagen tras imagen subraya la unidad revolucionaria de trabajadores, soldados y campesinos, y las clásicas oposiciones entre ricos y pobres. Pero el conjunto estaba unido a una larga bandera roja con la letra de un grabado de la revolución campesina, del tipo de los utilizados por Guerrero en su xilografía para la cubierta de “El Machete” en 1924: “La tierra es para quien la trabaja”.

En (1942-1951) realizó idealizadas escenas de las culturas precolombinas en los corredores del Palacio Nacional, intentando comprender y utilizar de forma creativa las estructuras y la iconografía precolombinas. En 1953 pinta el mural del Hospital de la Raza “La Historia de la Medicina en México: El pueblo exige una mejor salud.

DAVID ALFARO SIQUEIROS

Siempre un polemista , fue el mas comprometido de los muralistas con el mundo moderno, tanto en temas como en técnicas.

Su lenguaje está enraizado en la estética modernista del Cubismo y el Futurismo, en que la reevaluación cubista del arte “primitivo” contribuyó a la confirmación de una nueva actitud hacia la cultura nativa mexicana. Siqueiros destaca las grandes masas primarias: cubos, conos, cilindros , esferas, pirámides, que deben ser el esqueleto de toda arquitectura plástica.

Se diferenciaba de los demás por su estilo, sus técnicas y los espacios que elegía para sus obras .Utilizaba pintura industrial a pistola , y experimentó con la fotografía, utilizando, por ejemplo, un proyector para ampliar las imágenes sobre el muro.

Siqueiros rara vez utiliza temas de la historia mexicana, mas preocupado por la lucha de clases del México del momento, como por ejemplo “Retrato de la burguesía”.

La primera vez que toca el tema de la revolución directamente es en el Castillo de Chapultepec, en una habitación en el que los muros fueron construidos especialmente con alas curvas resaltadas. “La revolución contra la dictadura de Porfirio Díaz, está en el lugar de recreo público y se utiliza como mural didáctico por la gran cantidad de retratos de mártires y héroes que tiene.

El mural “Cuauhtémoc contra el mito” relata la revelación del último emperador y el símbolo de la resistencia contra la explotación colonial/ capitalista.

FERNANDO LEAL

Decantó una nueva forma mas oscura de indianismo, en su obra “Los Danzantes de Chalma, que tiene por tema un incidente entonces reciente en una aldea de Puebla : “ En el curso de una danza religiosa alrededor de la estatua de la Virgen, un golpe hizo que la imagen se cayera con su caja de cristal, dejando al descubierto una pequeña figura labrada en piedra de la diosa del agua , que desde tiempo inmemorial estaba escondida debajo del rico manto de la Virgen.”

CHARLOT

Pintó un mural en el muro enfrentado a el de Leal en lo alto de la escalera principal del ENP.

Ayudó a Rivera en “La Creación”.

Comenzó su propio mural frontal al de Leal en abril-mayo de 1922 en técnica de fresco, sobre el tema de “La Masacre del Templo Mayor”. Notable mezcla de Uccello y Léger, fue el primer mural que tocó el tema de la conquista , y en el aparecen los españoles en armaduras y sin rostro ,como robots, clavando sus lanzas manchadas con sangre en los indefensos sacerdotes indios y en el pueblo que estaba celebrando su fiesta en el templo de Tenochtitlán.

Existen dos de sus obras en el Ministerio de educación de México , “Lavanderas” y “Cargadores”.

OROZCO

Realizó una serie de murales en el patio principal de la ENP. Estaba agriamente encontrado con Rivera en lo tocante a sus actitudes con respecto al arte nacional , el indianismo, las interpretaciones de la historia y de la propia Revolución, y sus murales que evitan el claro mensaje político e histórico de Rivera, pueden parecer ambiguos.

Orozco obligado a dejar de trabajar en la Escuela Nacional Preparatoria en 1924, volvió en 1926 para hacer otra serie de frescos en la planta baja, “Los ricos comen mientras los trabajadores pelean”, “La trinidad revolucionaria”, “La huelga”, “La trinchera”, etc. Los dos primeros retratan una sociedad sin dirección y desgarrada por los conflictos, con unos pobres incapaces de luchar contra sus opresores.************** Los murales de la plata baja del ENP eran universalistas y alegóricos. El único que sobrevivió de ellos fue el de La Maternidad, un tanto inocuo, mientras que El Cristo Destruyendo su Cruz, mucho mas sorprendente, cuenta entre los gravemente desfigurados por los hostiles estudiantes de preparatoria , y hubo que ser repintado por Orozco en 1926. Nada de ambiguas tienen las poderosas y grotescas sátiras de la planta media: “Las Fuerzas Reaccionarias”, “Basura Política y Los Falsos Líderes”,etc., en que se ve con mayor claridad la anterior carrera de Orozco como dibujante de tiras cómicas. En la planta superior se encuentra una secuencia mucho mas tranquila, “El Adiós de la Madre”, “El Enterrador “y” Retorno al Campo de Batalla”, que trata del efecto delos años de violencia sobre las familias.

DE LA CUEVA

Realizo dos murales en el Ministerio de Educación , “El Torito” y “Los Santiagos”.

JUAN O’GORMAN

Entre sus obras se encuentra el fresco titulado “El Crédito Transforma a México”, pintado en 1960 en lo que es hoy el Banco Internacional de Ciudad de México, en que se da mas una visión del contraste entre el atrasado y supersticioso México rural y un México industrial moderno en el que se explotan todos los recursos naturales a lo máximo.

RUFINO TAMAYO

Nació en Oaxaca el 26 de agosto de 1899.

En 1917 se inscribió en la academia de San Carlos.

Dos años mas tarde se dedico a pintar en investigar por su cuenta.

En 1921 fue designado jefe del Departamento de Dibujo Etnográfico del Museo Nacional de Arqueología.

En 1929 fue profesor en la Escuela de Bellas Artes.

En 1933 realizó un mural en la Escuela Nacional de Música.

En los años siguientes pintó el mural de la Hillyer Art. Library de Northamptom, Massachussets.

En 1952 terminó su primer mural en el palacio de Bellas Artes de México. En 1953 hizo el mural “El Hombre”, para el Museo de Bellas Arte en Dallas, y concluyó el segundo en el Palacio de Bellas Artes.

Ambos trabajos fueron hechos con vinilitas sobre telas, técnica que adopto a partir de entonces , en sustitución del fresco.

El patrimonio cultural de Monterrey se ha enriquecido con tres grandes obras del creador oaxaqueño: el mural “Eclipse Total”(1978) y los vitrales “Homenaje al sol” (1988).

Murió el 25 de junio de 1991.



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